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Isasa y Córdoba publican nuevo álbum el 21 de mayo

Ya puedes escuchar una canción de adelanto y reservarlo en vinilo y digital

Fruto del encuentro entre dos artistas tan singulares como el madrileño de origen uruguayo, Conrado Isasa (A room with a view), y el madrileño afincado en Copenhague, Ignacio Córdoba (Fuego, MAGIA), el disco que tenéis entre las manos captura una confluencia de talento única. Intersección proveniente de órbitas dispares, que sin embargo aquí se complementan formando un cuerpo musical deslumbrante.

Con cuatro álbumes a sus espaldas, el último homónimo y recién publicado este año, y gracias a una sensibilidad abismal y a una articulación del discurso tonal que es todo delicadeza y sencillez, el paso de los años ha otorgado a Isasa la llave de su propio espacio, dentro de la escena internacional de guitarra instrumental. Isasa empezó hace ya un tiempo a explorar los recovecos íntimos de la memoria, para ir desvelando poco a poco, parcial y cuidadosamente, en claroscuro, el legado refractario de su experiencia vital y familiar. El cual dispone valiente ante nosotros, logrando con ello lo más difícil: Tornar su vida en música, rozar lo universal. Por su lado, proveniente de la escena punk de Madrid y con holgado recorrido en los circuitos de música experimental e improvisación internacionales, podríamos definir a Córdoba como a un maestro de ceremonias seculares: Cuerpo conductor de electricidades -ajenas y propias-, eterno aprendiz y errorista profesional cuyo objetivo ulterior es detonar las zonas de confort de cualquier disciplina musical estanco. Siempre, con tal de trascender prejuicios y expectativas desde un nuevo lugar, inesperado, cambiante e inclusivo, donde se desdibujen los límites impuestos por la escolástica.

Grabado en plena navidad, en el garaje de la casa de Víctor Ávila (Escaire) en Elche y sin aislamiento acústico ni insonorización de ningún tipo, Isasa y Córdoba han compuesto un álbum que pisa frontera, que contradice así como altera e interviene lo preconcebido para virar de continuo hacia la sorpresa. Este disco marca un hito en la carrera de ambos, a la vez de suponer el libérrimo e inesperado regalo que, ni siquiera los más allegados, imaginaban. Gracias.

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Peña publican nuevo álbum el 23 de abril

Reserva ahora ‘Carreiro’ en vinilo y digital, y mira el vídeo de ‘Burato’

Tras publicar un hermoso EP llamado ‘Fórmula’ el año pasado, Peña regresan ahora con éste, su primer trabajo de estudio titulado ‘Carreiro’. Un debut sorprendente que supone toda una revelación, no solo en términos de trascender lo folk, sino en cuanto a música contemporánea en gallego se refiere.

Asumiendo la propia dependencia gentilicia como punto de partida, la banda formada por Toño Magariños (diola, Unicornibot), Rubén Abad (Cro!, Trilitate) y Elena Vázquez (Trilitrate) ha sido capaz de hilvanar un cuerpo de canciones exquisito, que aúna sencillez con idiosincrasia y valentía formal. Pues, en ‘Carreiro’, la pulsión subconsciente de la música popular nos es representada de forma ampliada, armónicamente rebosante y extraordinaria.

Recibidos con tamaño muro de órganos en la apertura de ‘Burato’, acto seguido asistimos con emoción a la siega: ciclo de los prados, cuya litúrgica descripción parece encajar a la perfección con la métrica del tema. Pero no crean, la aparentemente enternecedora ‘Selva’ esconde cierta crítica al discurso eco-friendly superficial, así como en los 5/4 de ‘GPS’ uno se podría preguntar si –Estamos ata os collóns de estar sempre conectadas, ou non? (…). De un modo u otro, al final, nos queda la sensación de que el amor está presente en todas y cada una de estas canciones aunque, seguramente, ‘Bandeira’ sea la que mejor defina el disco. Un álbum que funciona a modo de nuevo regreso, de hipnótica llamada al hogar ulterior: Espacio familiar donde se proyectan imágenes de nuestra infancia, aunque en ellas descubramos algunos elementos sutilmente reordenaos… no todo está donde estaba.

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Les conches velasques publican nuevo álbum el 5 de marzo

Reserva ahora ‘Celebración del trance profano’ en vinilo y digital, y escucha su primer adelanto: Fluorescencia

Dos años después de que su homónimo y revelador debut viera la luz, Les conches velasques regresa ahora con esta nueva colección de pregones exaltados, con esta invitación al entrelazo comunitario en un baile de doses y treses… titulada ‘Celebración del trance profano’.

Lo que en su día empezó como el proyecto personal de exploración de Pablo Jiménez, Picore, ha terminado convirtiéndose en un organismo colectivo en el que participan Jesús Landa, Thomas House (Sweet Williams, Charlottefield) y Sergio Segura (este último encargado también de la grabación, junto a Cristean Barros). A su vez, aquello que en su primer disco partía del rock de corte mudéjar, cristaliza maravillosamente aquí en forma de música popular sin pueblo, contemporánea y universal.

Con la repetición como método y la celebración como objetivo, en la verbena disfrutamos de un cancionero inclusivo, con esencia de Pedro Salinas y poética de Miguel Hernández, pero hay más. Al mismo tiempo, Les conches velasques son capaces de integrar obra de -nada menos que- Nass el Ghiwane, Agapito Marazuela o Hamid Alemmou, inmiscuidos todos ellos con naturalidad serrana en éste, su ya propio repertorio.

Ahora, el aire con el que la banda de Zaragoza oficia, la agilidad con que la ejerce, terminan por impregnar este ritual de un espíritu libertino y de un sabor callejero únicos. Seguramente esta música sea otra prueba -escasean- de que el esencialismo y el eclecticismo no son excluyentes. Al contrario, aquí se constata su complementariedad en forma de legado, de ancestro electrificado. Les conches velasques proyecta contra la pared de nuestras conciencias una cuestión recurrente aunque tapada: aquella que aplica al imaginario colectivo imperante en nuestra querida Iberia.

Esto es ¿Occidente?

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El relevo alemán: Notas accesorias para la escucha de La séptima extinción

Entrevista con El relevo alemán

 

¿Cómo ha sido el proceso de composición de La séptima extinción?

JC PEÑA -De hecho hay algunas canciones que salieron justo después de que grabáramos el disco anterior, hace cinco años si no me equivoco. Entonces, a partir de ahí, ha sido un proceso bastante largo.

CRISTINA ARROYO -Nuestra antigua batería, Zutoia, vive en Berlín y aprovechábamos los momentos cuando ella viene. Grabamos ahí unas cinco canciones, luego grabamos otras dos y terminamos el proceso, si no recuerdo mal, el verano pasado.

JC PEÑA -La principal peculiaridad de este disco es que, por circunstancias, tocan cuatro baterías que son Javier, que es nuestro batería ahora, Zutoia, que tocó con nosotros durante mucho tiempo, yo, que grabé varias canciones del elepé y bueno, Cristina, que hizo una percusión ahí. Pero eso no resta ningún tipo de coherencia al disco, además le da bastante gracia porque cada batería lógicamente tiene su personalidad.

JAVIER OTONES -Yo creo que al final lo que le da es riqueza al disco. Un disco entero con la misma persona tocando, al final, tiene un estilo propio que -por muy dinámico que sea el disco, por muy dinámicas que sean las canciones- no consigues si pones a distintas personas tocando el mismo instrumento en distintas canciones. Entonces, yo creo que lo único que hace es aportarle.

¿Cómo son las canciones de La séptima extinción?

CRISTINA ARROYO -Es un disco que yo creo que refleja muy bien nuestro directo, nuestros conciertos en directo, y capta muy bien el espíritu de la banda.

JC PEÑA -Yo creo que las canciones son un compendio de lo que hemos venido haciendo desde el primer disco, sobretodo desde el segundo, porque sí que es verdad que en el primero estábamos todavía ahí encontrándonos un poco. Yo creo que hay canciones muy oscuras. Hay canciones muy pop -como las que hacemos nosotros, no es pop desde luego mainstream-, pero son bastante… En general yo creo que lo que hacemos no es nada experimental. Hay bastante melodía, es bastante accesible dentro de lo que creemos que tiene que ser un grupo de guitarras en el cual predomine la electricidad y cierta, o bastante, contundencia.

CRISTINA ARROYO -No tiene muchos artificios porque tampoco nos gustan y, como ha dicho José Carlos antes, tiene muchas aristas.

¿A qué responde el título del álbum?

JC PEÑA -El título del disco es una broma macabra o lúgubre, que es más macabra y más lúgubre teniendo en cuenta todo lo que hemos vivido estos últimos meses. Se supone que la sexta extinción es lo que supuestamente está ya provocando la acción humana en el mundo en estos momentos, en cuanto a extinción masiva de especies y tal. Entonces la séptima sería nuestro turno. Es una broma macabra que está muy en la tradición del grupo, desde el principio.

¿Qué equipo o configuraciones técnicas habéis usado para conseguir semejante sonido?

JC PEÑA -Bueno, para nosotros el equipo es muy importante y esto es así desde el principio, en gran parte, por la influencia de Javier Ortiz y de Estudios Brazil, porque ahí fue donde vimos y apreciamos realmente la diferencia. Entonces, a la guitarra yo toqué básicamente con el Hiwatt este que veis aquí -es un Hiwatt del año 72- y con el Vox éste, que es del año 65. Con esto básicamente solventé todas las guitarras. Es verdad que usamos en una o en un par de canciones un ampli prehistórico: Un Gibson del 47 que tengo en casa que es un combo y que también funcionaba muy bien. Tema pedales. En realidad no uso más que un Memory Man y algunos pedales, algunos fuzz Dwarfcraft que son bastante marcianos y bastante extremos. Luego de batería metimos… si no me equivoco… Bueno ¿esto ya lo hablará el resto no? Pero en cuanto a batería, grabamos con una Premier Signia, que tiene Javi allí también aunque no es ésta y, sobre el bajo, tocamos con el Rickenbacker de siempre y un Ampeg B25, creo, con el que hemos estado grabando últimamente.

¿Cómo fue la grabación de La séptima extinción?

JC PEÑA -Hemos grabado en Estudio Brazil, en Rivas, en Madrid.

JAVIER OTONES -La verdad es que nunca había estado grabando en Brazil y la verdad es que más cómodo incluso de lo que me esperaba. Bueno, tanto Javi como su equipo me hicieron sentir super cómodo.

CRISTINA ARROYO -Una vez estás ahí, va un poco todo sobre ruedas.
JC PEÑA -Porque tenemos una relación muy cómoda y muy buena con Javier Ortiz, que es el dueño y el técnico. Ahora mismo yo creo que El relevo alemán no lo podemos concebir sin la relación que tenemos con Estudios Brazil y el sonido que hemos sacado para los discos. Yo, de hecho, puedo escuchar el primer disco, el segundo, y estar igual de contento y eso, yo creo, es gracias a un enfoque del sonido muy atemporal que tiene Javi.

¿Cómo recomendáis escuchar La séptima extinción?

CRISTINA ARROYO -Yo creo que en cada escucha, a lo mejor, puedes encontrar una dimensión distinta del grupo y del sonido, pero yo creo que en general es bastante inmediato y captura bastante fielmente lo que hacemos en directo.

JAVIER OTONES -Yo creo que es un disco, dentro de lo que es El relevo alemán -como hemos hablado otras veces-, bastante accesible.

JC PEÑA -Yo creo que es un disco que tiene bastantes aristas pero que es en general bastante accesible. Tiene muchas melodías y sí que es verdad que tiene mucha electricidad y mucha contundencia, como siempre porque sino no seríamos nosotros, pero en realidad creo que es bastante melódico en general, en el buen sentido. Obviamente no hacemos música mainstream, pero yo creo que es perfectamente disfrutable para cualquier persona que esté mínimamente interesada en lo que es el rock alternativo o, no sé, como lo queremos llamar.

CRISTINA ARROYO -Entonces os lo recomiendo. Que os encerréis en vuestra casa con el disco y que disfrutéis a tope de él y a escucharlo, a ponerlo, a buen volumen por favor.

Tilde: Notas accesorias para la escucha de Algae

Entrevista con Tilde

 

¿Cómo ha sido el proceso de composición de Algae?

MATI PANDO -Normalmente llevo yo las ideas trabajadas en forma de letras y melodía.

CARLOS SÁNCHEZ -Mati no es muy amiga de hacer estribillos, entonces el discurso del tema… Tienes que convertir esa idea, que era una idea incipiente sobre una melodía, en una canción. Entonces, tienes que escuchar mucho lo que ocurre para saber hacia dónde quieres ir, porque no tienes un estribillo que te diga ‘vale, vamos aquí’ y luego se acaba el estribillo voy a ir a… No, depende de lo que va ocurriendo te va llevando a un sitio o a otro.

CARLA SUZART -Buscar, experimentar, forma, cosa, sonoridades, tonalidades, compases y entender, sentir qué era lo mejor para esta canción. Qué pide.

MARIO VÉLEZ -Sobre la métrica nunca nos preocupamos por decir ‘venga, esta canción va a ser 3/4, esta canción va a ser 5/4’. No, simplemente desarrollamos la canción y lo que mejor le venga.

CARLA SUZART -La letra creo que nos direccionaba un poco para explorar regiones distintas y tonalidades distintas y métricas distintas. Probamos distintas métricas dentro de una misma canción y también en el disco. En el panorama general hay una diversidad rítmica, una diversidad tímbrica, una diversidad tonal.

CARLOS SÁNCHEZ -La melodía de todo esto es lo que nos lleva a hacer los temas. Lo que ocurre muchas veces es que Mati está en un… se queda en un motivo melódico y, mientras tanto, la armonía se va moviendo. Por lo tanto esa melodía funciona diferente en un acorde que en otro. Y eso pasa bastante en el disco.

MATI PANDO -Las armonías están llenas de colores y llenas de matices y llenas de… pues… Te llevan a muchos sitios, las harmonías.

CARLA SUZART -Probábamos y probábamos y probamos cada trozo de la canción, cada parte ‘Y eso ¿qué hacemos? Bueno podemos cambiar aquí porque esto pide que haya un cambio. La letra habla de eso entonces podemos hacer un giro acá para aproximarnos más a lo que dice la letra ¿Cómo podemos hacer eso? Venga una atmósfera más así, más asá’. Fue un trabajo con mucho detalle.

CARLOS SÁNCHEZ -Hay acordes con tensiones, cuatríadas, hay cosas… No es un grupo de… Hay sutilezas armónicas, digámoslo así. Y también, otra cosa que a mí personalmente me gusta de Tilde, es que también hay momentos atmosféricos que podríamos llamar armónicamente ‘modales’, que tienen colores. Si hablamos técnicamente, pues a mí gusta mucho el modo dórico que, bueno, es un menor pero tiene la sexta mayor y eso genera una atmósfera y unos colores.

MATI PANDO -Para mí son como un viaje porque tienen sus paisajes, como colores. Las armonías dan muchos colores, mucha riqueza ahí y también las historias son muy íntimas o muy de raíz. Muy de alas y muy de raíces.

¿A qué responde el título de álbum?

MARIO VÉLEZ -El título del álbum, ‘Algae’, básicamente responde a que en casi toda nuestra discografía la naturaleza está bastante dentro y, en este álbum en especial, el mar está bastante presente. Entonces, entre los elementos del mar pues al final dimos con ‘Algae’. El alga es un elemento curioso ya que parece algo simple incluso que… no es que se desprecie pero que no tiene mucho valor y, sin embargo, dentro del mundo marino es fundamental.

MATI PANDO -Este disco tiene mucho mar, aparece mucho el mar en muchas canciones de este disco.

CARLA SUZART -Fue unánime la sensación de que hay mucha agua. Hay el mar ahí muy presente, muy fuerte.

¿Cómo han sido la grabación y la mezcla?

CARLOS SÁNCHEZ -Teníamos muy claro que queríamos grabar todos juntos, en directo.

CARLA SUZART -Hemos grabado en el Hukot Studio con Milo. Milo es un amor, ha sido increíble para nosotros la grabación. Fuimos toda una semana al estudio.

CARLOS SÁNCHEZ -En este caso la producción empieza en el local.

CARLA SUZART -Habíamos ensayado tanto, habíamos tocado ya tanto las canciones que en un día las hemos grabado todas, las bases.

MARIO VÉLEZ -Lo grabó Milo. Lo mezcló Carles, el guitarra, quien tiene muy claro el sonido que necesitaba el disco.

CARLOS SÁNCHEZ -Acabé mezclando yo porque ya venía con ese trabajo hecho. Tenía muy claro cómo quería que sonasen las cosas, que era como sonaba Tilde.

¿Cómo recomendáis escuchar Algae?

MATI PANDO -Yo creo que al disco de Tilde hay que darle varias escuchas porque es un disco que tiene muchos matices, muchos detalles, mucha dinámica.

CARLOS SÁNCHEZ -Necesitas varias escuchas y, por ejemplo, si por lo que sea tienes algún prejuicio con las sonoridades flamencas, pues a lo mejor la primera escucha no. Pero a lo mejor sí que te enamora al cabo de… te abre incluso a ese tipo de sonoridades.

CARLA SUZART -Yo creo que son múltiples audiciones del disco para que se pueda captar la sensibilidad en los detalles.

CARLOS SÁNCHEZ -Está guai que no sea accesible a la primera escucha porque, al menos a mí, cuando un disco me entra a la primera, normalmente lo quemo muy rápido.

MARIO VÉLEZ -Yo creo que es un disco accesible, dentro de lo que cabe. Hombre, hay que escucharlo. Son canciones largas, densas, muchos cambios, poco estribillo… pero yo creo que es accesible porque, tanto las melodías de Mati como las harmonías de la guitarra y el bajo o los ritmos, dejan respirar mucho cada parte. No es que sea una locura de cambios, pero cada parte tiene su espacio y creo que están bastante bien conducidos y es agradable. No es algo súper raro.

CARLOS SÁNCHEZ -A final pues sí. Con los elementos que tienes, haces lo que puedes hacer aspirando a lo mejor, así ha sido.

CARLA SUZART -Deseo a todos una excelente escucha.

El relevo alemán publica nuevo álbum el 16 de octubre

¡Escúchalo en exclusiva en nuestra web!

El relevo alemán publica su quinto trabajo de estudio este viernes 16 de octubre en vinilo y digital. Ya puedes escuchar ‘La séptima extinción en nuestra web ¡Entero y en exclusiva!

Con más de una década de carrera, multitud de conciertos, cuatro epés y cinco álbumes a sus espaldas, El relevo alemán se ha convertido en una de las bandas de referencia en la escena ibérica subterránea. Ahora Cristina Arroyo, JC Peña (Estoikov) y Javier Otones (Tremolino, Soul rubbers) se plantan ante nosotros con su mejor disco hasta la fecha y bajo un título que, desde el primer play, consigue abrir en canal nuestra imaginación…

Alguien dijo -Los discos de El relevo alemán solo los puede grabar Javier Ortiz (…). Así es, una vez más Estudio Brazil ha sido capaz de capturar el tortazo intacto, el crujido recio, afilado y contundente con el que el trío madrileño atusa peinados en las primeras filas de sus conciertos. Una vez más, suena que alimenta. Desde el enigmático título y canción tras canción, este disco está plagado de referencias veladas, de inagotable material a desentrañar durante el -tan reconfortante- ejercicio de una escucha activa. En palabras de JC Peña -Cada vez soy menos partidario de comentar las letras, pero te puedo decir que éste es el disco del que estoy más orgulloso, de eso no hay duda (…). Todo vuestro, disfrutad.

Salva Alambre: Notas accesorias para la escucha de Electromagnetismo

Entrevista con Salva Alambre

 

¿De dónde surgen las canciones de ‘Electromagnetismo’?

Las canciones del disco surgieron a partir de un concierto que di en diciembre de 2018 y que consistió en bucles de sintetizadores analógicos y, partiendo de ahí, fui improvisando con más sintetizadores. Después del concierto me di cuenta de que a aquello se le podía dar forma y conseguir una estructura más de canción. Ese es el origen de las canciones. Me dediqué a ir perfeccionando las estructuras, a buscar los sonidos que quería, y ya me metí en el estudio a grabar.

¿Qué material has usado?

Para este disco he utilizado sobretodo sintetizadores analógicos. También hay sintetizadores digitales, algún sampler, alguna guitarra ocasional -aunque de manera muy secundaria, en comparación con el primer disco-, cajas de ruido, alguna batería y cosas de percusión.

Sobretodo he intentado utilizar bastante un micrófono electromagnético, que básicamente capta las ondas electromagnéticas. Capta señales de cualquier aparato que esté funcionando por allí, por el estudio, y eso lo utilicé como una amalgama, como un pegamento que aglutinase las distintas canciones. No aparece en todas pero sí en algunas, es un elemento que me ha gustado bastante utilizar.

¿Cómo son las canciones?

Las canciones de este disco son bastante distintas a las del primero porque son más oscuras, tanto en la propia configuración de las canciones, los sonidos, como también en las letras.

Con respecto al tipo de estructuras que aparecen en este disco, yo diría que hay de dos tipos. Por un lado están las estructuras más clásicas de pop con su estrofa, su estribillo, etc. Por otro lado están también otro tipo de estructuras que son más libres, donde van entrando y saliendo sobretodo sintetizadores o ritmos o bucles. Ahí lo importante es, sobretodo, la textura que se va creando con cada entrada y cada salida.

¿A qué responde el título del álbum?

Electromagnetismo, el título del disco, responde a una de las cuatro fuerzas de la física. El electromagnetismo está presente en todo. En la materia, en la luz, en el sonido, en la propia electricidad. Es algo que los humanos hemos aprendido a manejar, a intentar controlar, pero creo que todavía desconocemos muchísimo. Esa idea fue la que me interesó y me pareció bonita.

¿Hay algún concepto argumental?

Yo no me atrevería a decir que es un disco conceptual, porque suena como muy serio, pero sí que es cierto que el disco tiene una unidad. Las canciones se han ido construyendo a partir de la idea de electromagnetismo desde una u otra faceta, y la cara A y la cara B creo que tienen bastante que ver la una con la otra. Creo que el disco ha quedado bien articulado, ya es cuestión del oyente juzgar.

¿Cómo lo has grabado?

El disco se grabó en los estudios El Miradoor, entre febrero y marzo de 2019, siempre con Marco Velasco como productor, que es una persona con la que me entiendo muy bien y con la que me lo paso muy bien grabando. Fue muy divertido de grabar, había cosas que yo ya tenía muy claras y cosas que fuimos improvisando.

Una de las cosas quizás para mi más interesante en cuanto al sonido, es que los delays que utilizamos eran delays de cinta. Eso le da una calidez también al sonido analógico de los sintetizadores que es muy interesante.

¿Cómo recomiendas escuchar ‘Electromagnetismo’?

No creo que sea un disco demasiado fácil a la primera. Es un disco en el que, para entrar, hay que darle varias escuchas y a ser posible con un buen volumen y un buen equipo. Creo que hacerlo así vale la pena, porque vas entrando en la cantidad de sonidos o detalles. Algunas cosas no son obvias o no aparecen en una primera escucha, hay que ir dándole un poco más de espacio al disco.

Espero que disfrutéis escuchando el disco y que el electromagnetismo os acompañe.

Tilde publica nuevo álbum este viernes 25 de septiembre

¡Escúchalo en exclusiva en nuestra web!

Tilde publican su tercer trabajo de estudio, titulado ‘Algae’, este próximo viernes 25 de septiembre en vinilo y digital. Álbum que desde hoy puedes escuchar ¡entero y en exclusiva en nuestra web!

Desde que debutaran en dos mil nueve y a lo largo dos EPs y dos álbumes hasta la fecha, Tilde han ido definiendo una manera bien idiosincrásica de componer canciones. Forma especial que cristaliza en esta tercera y hermosa joya de estudio. Grabado en directo y sin artificios de ningún tipo, en este nuevo álbum la banda de Barcelona consigue lograr el difícil equilibrio entre lo sutil y lo certero. Siempre a contracorriente, Tilde elaboran métrica y crónica desde los márgenes, confeccionando estructuras tan impredecibles como ricas en armonías, sobre las cuales se sustenta ese verbo tan suyo, de mención a parte. Verbo sumamente edificante, que parece estar en constante huida hacia la desambiguación y que dispone ante nosotros un doble plano figurativo: en él conviven canciones escritas desde la reflexión más íntima, con el asalto de una voz humilde pero consiente e incendiaria.

Si en dos mil diez y siete y gracias a su segundo largo, ‘Animares’, dimos con un grupo que sobresalía por su valentía, ahora en ‘Algae’, Tilde han hecho explícita su dimensión más lírica y andalusí, para cincelar un dedo en la llaga de proporciones monumentales. Un mastodonte de imaginario propio que se expande en múltiples direcciones.

Salva Alambre publica nuevo álbum mañana 4 de septiembre

Ya podéis escucharlo entero y en exclusiva desde ¡nuestra nueva web!

Salva Alambre publica mañana viernes 4 de septiembre su segundo álbum, titulado ‘Electromagnetismo’, en vinilo y digital. Un día antes, hoy, y en exclusiva desde nuestra nueva web ¡ya podéis escuchar el disco entero! ¡Disfrutad!

Tras debutar oficialmente en solitario en dos mil dieciocho con el maravilloso ‘Matemática ingenua’ y anticipado recientemente por el doble sencillo ‘Frenesí’, Salva Alambre regresa ahora con este segundo trabajo de estudio que, si bien no se puede considerar un álbum conceptual como tal, sí que aglutina una serie de ideas en torno a una de las cuatro fuerzas naturales de la física en el universo conocido. Bienvenidos a ‘Electromagnetismo’.

Alambre se sirve del concepto de ‘Electromagnetismo’ para dibujar una entrada, un pretexto intelectual si queréis, a partir del cual adentrarnos en una serie de canciones que funcionan a modo de prisma pop. Y sí, con él vislumbramos dicha fuerza e intuimos las leyes que la razonan pero, más allá de eso, con él nos adentramos en el universo musical distorsionado, desnaturalizado y de planos exagerados que Alambre ha sido capaz de armar para nuestro disfrute. Un laberinto de espejos combados tan juguetón y expansivo, como disfrutable. Inmenso.