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Hay una expresión muy de las Islas Canarias que es ‘mirar a los celajes’. Los celajes son formaciones de nubes que de alguna manera nos llaman la atención y donde uno desaparece por un rato, embelesado ante el efímero paisaje. Tal encantamiento encaja con el proceso de composición de una canción. Mientras las nubes son guiadas por el viento, su color es determinado por la incidencia de la luz del sol, o su forma cambia en función de la temperatura, presión, carga eléctrica… durante el proceso creativo el artista persigue una melodía, la estira desde la nada y la moldea guiado por la intuición.

Desde que se conocieron en dos mil dieciocho, un presentimiento hizo que Fajardo empezara a fantasear con la posibilidad de que sus nuevas canciones fueran arregladas por Trilitrate. Por el camino, al trío neoclásico se fueron sumando otros músicos admirados, como Marc Enseñat (Monkey Nuts) y Diego Hdez (Keiko, The Conqueror), a quienes finalmente complementaron tres de sus habituales colaboradores: Manuel Campos (Rosvita), Jordi Tost (Gos Binari, Parmesano) y María Navidad (Tostadas, Mesa Camilla). La corazonada se había hecho realidad y entonces sí, en manos de esta nueva banda, las ideas empezaron a formar un cancionero tan dinámico y rico en matices, como sobrio en el empaque de cada uno de los temas. Un cuerpo de canciones conceptual que Javier Ortiz (estudio Brazil) ha capturado prácticamente intacto, en esta obra mayor llamada ‘Intuición’.

‘Intuición’ es un canto a la observación, a la música y a la amistad. A sobrevivir, en definitiva. En palabras del majorero –Elegí ‘Intuición’ como título porque me parece que es en ella donde reside la esencia de mi voluntad creativa (…). Efectivamente, el disco aborda cuestiones múltiples pero siempre desde una inquietud poética, una reflexión imprecisa y bella por la que subyace el sabotaje visceral a lo obvio. La intuición se abre paso en su máxima expresión y, ante el reto de la paternidad (Deidad) –con la seguridad de no tener nada claro (Accidentes)-, anhela el viaje por el viaje (Geometría/ Geología). El lastre del raciocinio (Aprender-Desaprender) se torna volcán pero, cual vértigo del músico frente a la experiencia escénica, es arrasado por el mar, purificado en salitre. Trascendemos. Llegamos a una montaña donde los podomorfos están tan integrados en la roca que es casi imposible su hallazgo de día (de noche es cuando emergen de la traquita, cubierta por el líquen). Será sobre las huellas de nuestros ancestros, donde os reciban las brujas de Tindaya. Aquí os espero.

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Con doce álbumes a sus espaldas, una trilogía junto a N (Hellmut Neidhart) y un incesante reguero de colaboraciones publicado en sellos como Abgurd, Drone, TIBProd, Mystery Sea, Eclectic Reactions o el suyo propio (SeriesNegras), Txesus Garate se ha convertido en toda una referencia del ambient y de la música de ruidos contemporánea, así como del activismo y de la manipulación audiovisuales (con Paralux).

Aunque los orígenes de este insaciable explorador de la escena de experimentación vasca partan de la rotundidad de lo industrial, durante las últimas dos décadas su obra (ya sea como Tzesne o como integrante de Gutural, guZural o Kkopu) ha ido evolucionando hacia planteamientos mucho más sencillos, basados en composiciones concisas -aunque multiformes- que arrojan como resultado un cuerpo musical sugerente, onírico y radicalmente conceptual, siempre a salvo de convencionalismos musicales.

Precisamente, será esa idea de sencillez nuclear y semántica del sonido -de la modelación del tiempo- a partir de la cual Tzesne terminará dando con ‘Voltereta’. Álbum de 2017 en el que Daniel Ardura (Ensaña, Alado sincera, Sonio) doblega las costuras de lo que todavía hoy entendemos por folk, mediante un ejercicio monolítico de descontextualización armónica que cuestiona -y subvierte- los cimientos del género. Ahora, con este nuevo EP, Tzesne ha decidido hacer uso de la apropiación para intervenir seis de aquellas piezas de Ardura, con la intención no solamente de trascender en concepción ajena, sino de reinventar su esencia. Nos situamos en un nuevo y estimulante plano formal donde se re-significan los originales, acotados aquí, en ‘Ateretlov’, desde la atonalidad y con las puertas de la electrónica abiertas, desencajadas para esta reinterpretación excepcional.

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¿Cómo surgió la idea de colaborar en este disco?

INBONRG -Este disco surge en enero de 2018, a partir del fallecimiento del poeta y txalapartari Joxan Artze. Entonces me propusieron participar en un homenaje que tendría lugar en su primer aniversario. Yo quería que, por lo menos en la parte de mi homenaje, la txalaparta tuviera un lugar importante, y pensé en invitar a Enrike Hurtado, ya que él trabaja desarrollando sotfwares creados por él mismo. Entre ellos, uno dedicado a interactuar con la txalaparta. Así pues, el primer paso fue invitar a Enrike y empezar a reflexionar tanto en los textos de Artze, como en su manera de trabajar, para crear diversos materiales a partir de todo ello.

¿Cómo ha sido el proceso de composición?

INBONRG -El disco reúne trabajos compuestos en dos épocas. Por un lado, los materiales creados propiamente para los dos conciertos de homenaje del 2019 (más o menos, la mitad de las piezas se crearon entre 2018 y 2019). Y una segunda fase, en la primavera de 2020, ya con la intención de grabar un álbum ese mismo verano. Son en total 11 piezas.

¿Cómo son las canciones?

ENRIKE HURTADO -Las canciones son bastantes diferentes entre sí. Cada una surge de un proceso diferente y con instrumentación diferente. Algunas llevan piano y voz, otras piano voz y txalaparta, otras son collages realizados con el ordenador, piano y ordenador… hay un poco de todo. Cada uno ha aportado elementos y materiales de su ámbito. Buscábamos una unión, el equilibrio entre ambos.

¿Cómo ha sido el proceso de grabación?

INBONRG -Todo el disco lo hemos grabado aquí en este local, nosotros mismos, con este piano, con nuestros micrófonos y diverso material que nos han prestado. Lo hicimos todo durante el verano de 2020, por las noches, con tranquilidad, y hemos utilizado este piano, una txalaparta y el ordenador. También hemos contado con la ayuda técnica y la colaboración de Tzesne, que se ha encargado de las mezclas. Por otro lado, el material gráfico, el diseño y el libreto que viene con el vinilo lo ha realizado el dibujante Jon Martin. En cuanto al aspecto técnico, Estanis Elorza ha hecho el mastering e Ibon Aguirre nos ha dejado material y nos ha ayudado con el midi. Pero básicamente, toda la producción es nuestra.

¿A qué responde el título del álbum?

ENRIKE HURTADO -El titulo surge a partir de uno de los muchos poemas de Joxan Artze en los que hacía juegos con el sonido, de esa especie de poesía visual que él hacía, donde la parte sonora tiene mucha presencia. En este caso “oMOrruMU baMAt” sería ‘orru bat’ (un rugido).

INBONRG -Intercala sílabas un poco con la idea de la txalaparta, de ese juego de tiempos, de ese trote. Eso se vislumbra en su poesía visual, sobre todo en sus trabajos de los años 60 y 70, en los que nos hemos basado para elaborar este disco.

¿A qué responde el orden de las canciones?

ENRIKE HURTADO -Hemos intentado buscar un equilibrio. Al ser un material tan diferente, el objetivo ha sido ir compensando el material sonoro, para que no vayan todos los temas de piano seguidos, o los de txalaparta todos seguidos.

INBONRG – Sí, que haya sonoridades tan diferentes, nos ha traído quebraderos de cabeza a la hora de establecer el orden. Pero acertar con esa disposición forma parte del juego, ya que los textos también son muy diferentes entre sí. Hemos tratado de buscar una salida, hacia dónde podría estar el punto de fuga.

¿Alguna consideración en la primera escucha?

INBONRG -Como ocurre en casi todas las músicas, es necesaria más de una escucha para poder adentrarte en las canciones. Al ir conociendo las canciones se van descubriendo nuevas cosas y, a su vez, el orden de los temas también aporta un sentido a cada uno. Un significado que le da el tema anterior o al posterior y que, por separado, no sería idéntico. No solo con este disco, yo creo que con toda la música sucede esto. Se hace necesario profundizar en esa relación.

De la misma manera que hay discos que no huelen a nada -‘¿A qué huelen las cosas que no huelen?’, se preguntaba el poeta-, hay discos que desprenden un intenso aroma a homenaje. Eau d’hommage. Homenaje, que proviene de la voz latina hominem, detrás del cual suele haber una persona a la que se quiere, valga la redundancia, homenajear -también se suelen homenajear entes más abstractos, como la patria, cosa que me cuesta entender: no hay nadie que reciba los honores; entiendo que ese tipo de homenajes deben ser más bien autohomenajes-. O, más que una persona, suele haber varias personas, ya que para homenajear a alguien hace falta un homenajeado, pero hace falta también un homenajeador. O varios homenajeados y homenajeadores, con lo que esto se convierte en una especie de bacanal, no necesariamente carnal -de hecho, acostumbran a ser más bien de tipo espiritual, casi etéreo-.

Partimos de la base de que Joxan Artze (1939-2018) es un tío realmente homenajeable: poeta de vanguardia en sus primeros libros -de los que provienen los textos aquí recogidos, tan lúcidos como lúdicos-, dispuesto a mezclar la poesía con otras disciplinas artísticas, al que algunos han colocado dentro de un movimiento llamado poesía visual -ya estamos otra vez con las etiquetas, qué manía-. Poesía musical podría ser también, dada la gran cantidad de músicos que han puesto melodía a sus poemas -encarnados todos ellos por el gran Mikel Laboa, creador del himno nacional ‘Txoria txori’, que lo cantan incluso los jugadores de rugby del Aviron Bayonnais, y cuya letra se cree ya popular, cuando en realidad es del propio Artze-. Siempre a contracorriente, por encima de cualquier moda, innovando, buscando, abriéndose camino machete en mano por la espesa selva de la poesía oficial. A veces experimental (Edipo berriari) y/o político-social (Amaren sabela), otras veces lírico (Euria bezain garden) y/o picante (Atso otsoa). Una rara avis, vaya, pero completamente contemporánea.

Por otra parte están los homenajeadores, dos, IbonRG y Enrike Hurtado, con una amplia trayectoria ambos en lo musical, que se juntaron un buen día para homenajear y darse un homenaje a cuenta de nuestro querido poeta. IbonRG da continuación aquí al camino abierto en su primer disco, ‘Hil zara’ (2019), trabajando la voz tanto desnuda como acompañada del piano; y Enrike Hurtado experimenta, al igual que en sus proyectos en solitario Azunak y Bazterrak, con los softwares desarrollados por él mismo. Las piezas que salen, once en total, son del todo variadas: van desde el a capella más orgánico hasta el instrumental más electrónico, dándole especial protagonismo a la txalaparta -instrumento recuperado para lo artístico por Joxan Artze y su hermano Jexux, por cierto-, tocada a la antigua usanza -con un solo tablón de madera-, pasada por los softwares creados por Enrike -que trituran y reorganizan el sonido-, o incluso tocando el piano como si fuera una txalaparta -con aires del difunto Chick Corea-. Y así es como se consuma el acto, de homenaje se entiende. Homenaje, que no consiste en decir qué bueno, qué alto, qué guapo que eres, qué bigote tan bonico que tienes. Homenaje, que es punto de partida, inspiración, yo te cojo unas cositas, pero voy a hacer otras cositas, las mías, no las tuyas copiadas, sino unas nuevas, inspiradas, más de cerca, o lejanamente, en las tuyas. Todo acto de creación es, en el fondo, un acto de recreación: nadie crea nada, valga otra redundancia, de la nada. Todo acto de creación es, entonces, un acto de homenaje, y este en concreto es uno muy particular a Joxan Artze, a su/la poesía, a su/la búsqueda incesante, a su/la falta de conformismo. Y es, en última instancia -aunque parezca el eslogan de una funeraria-, un gran homenaje a la vida. Gracias a homenajeado y homenajeadores, pues, que nos han dado tanto.

oMOrruMU baMAt. Eau d’hommage, Aritz Galarraga.

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¿De dónde surgen las canciones de ‘Carreiro’?

TOÑO MARGARIÑOS – Las canciones de ‘Carreiro’ no se formaron todas a la vez. No tienen una procedencia única,
sino que fueron compuestas durante años y forman parte del grueso que fue apareciendo durante los primeros dos, tres años de formación de la banda. Realmente no forman un grueso común, un tronco, sino que fueron compuestas en distintos momentos.

¿Cómo fue el proceso de composición?

Las canciones se compusieron independientemente de la formación. Se componen de forma muy básica y después las ensayamos a banda para prepararlas para directo. Realmente son canciones compuestas y pensadas de forma muy sencilla, para tocar en directo los tres y que puedan funcionar en esa fórmula.

¿Cómo describirías vuestras canciones?

En mi opinión son canciones ultra sencillas, digamos, de sota caballo y rey. No hay ninguna pretensión de hacer nada raro ni a nivel métrico, ni de armonías ni de estructuras. No hay un afán de complicar pretendidamente las estructuras de las canciones. Igual en otros proyectos sí, pero en éste la pretensión es hacer música sencilla y fácil, un poco buscando esa facilidad que está de forma natural en la música popular.

¿Qué significa el título del álbum?

Digamos que se trató de buscar un hilo común a posteriori y, bueno, hay varios temas que son recurrentes en algunas canciones. Está un poco el amor en todas sus acepciones. La consideración tanto de amor fraternal, como de admiración, como de amor sensual desde un sujeto para el exterior, para sí mismo, para los demás, para la naturaleza… en fin, varias formas de entender el amor.

¿A qué responde el orden de los temas?

No está muy pensado, más allá de la posición de algunas canciones marcadas, como puede ser la primera, que es ‘Burato’. Una canción de apertura, como muy gestual, que para mí tiene una estructura de apertura, de presentación. También ‘Renacemento’, que es la última de la segunda cara, la última del disco. En ese caso justo lo contrario, es un final esperanzador y emocionalmente muy positivo.

¿Cómo ha sido el proceso de grabación?

El disco fue grabado mayoritariamente por nosotros, con la ayuda de mucho amigos. De gente de Cro! como David y Xavi, mucha gente que aportó voces, como Laura, como Inés, la batería de Muqui, instrumentos que nos prestaron… Fue a lo largo de mucho tiempo, con la colaboración de mucha gente y siempre en nuestras casas, mayoritariamente deslocalizado. Cada uno por su lado pero, a veces (en la épocas en las que fue permitido) juntándonos, aunque en directo no hay prácticamente nada, es todo por pistas

¿Con quién hicisteis mezcla y máster?

Pre-mezclamos, hicimos mezclas un poco espontáneas, de decir <<queremos que tire por aquí, por allá>>. Ese material, como no somos profesionales ni lo pretendemos, pues se lo mandamos a Xavier Muñoz, que es el bajista de la cantante de Stereolab, bajista de Alberto Montero y bueno, un tío que mola mucho como trabaja. Él fue el encargado de hacer la mezcla. Después el máster lo hizo Rafa Martínez del Pozo, viejo conocido del sello (antes de que Repetidor supiera de esto, ya emprendimos ese trabajo con él), que en este tipo de producciones es una persona que respeta mucho los espacios y las profundidades de la mezcla, en este tipo de músicas.

¿Cómo es la primera escucha de ‘Carreiro’?

No sé si nosotros somos quienes tenemos que decir si el disco es accesible o no. Yo desde luego siempre trabajo con el deseo de que sean canciones accesibles, en el caso de Peña. No tengo ningún interés en apuntar a un público muy especializado, que le interese un tipo de música. Creo que lo que nos toca en este proyecto es hacer música popular. Popular en todos los sentidos, que sea accesible y fácil de escuchar y que desenvuelva su discurso a partir de esa sencillez, no al contrario. No estoy interesado en hacer música muy compleja con mensajes muy simples, sino que quiero hacer música muy simple cuyos discursos -incluso políticos- aparezcan después de esas escuchas primeras. Pienso que esta forma es mejor o, por lo menos, aspiro a ella.

Espero que os guste este disco. Lo hemos estado haciendo durante años y por fin hemos podido sacarlo, así que aunque sea en este contexto que tenemos ahora, de mierda, para nosotros es un éxito total que vea la luz. Esperamos que algo de lo que volcamos en este disco os llegue y que lo disfrutéis. Muchas gracias.

Fruto del encuentro entre dos artistas tan singulares como el madrileño de origen uruguayo, Conrado Isasa (A room with a view), y el madrileño afincado en Copenhague, Ignacio Córdoba (Fuego, MAGIA), el disco que tenéis entre las manos captura una confluencia de talento única. Intersección proveniente de órbitas dispares, que sin embargo aquí se complementan formando un cuerpo musical deslumbrante.

Con cuatro álbumes a sus espaldas, el último homónimo y recién publicado este año, y gracias a una sensibilidad abismal y a una articulación del discurso tonal que es todo delicadeza y sencillez, el paso de los años ha otorgado a Isasa la llave de su propio espacio, dentro de la escena internacional de guitarra instrumental. Isasa empezó hace ya un tiempo a explorar los recovecos íntimos de la memoria, para ir desvelando poco a poco, parcial y cuidadosamente, en claroscuro, el legado refractario de su experiencia vital y familiar. El cual dispone valiente ante nosotros, logrando con ello lo más difícil: Tornar su vida en música, rozar lo universal. Por su lado, proveniente de la escena punk de Madrid y con holgado recorrido en los circuitos de música experimental e improvisación internacionales, podríamos definir a Córdoba como a un maestro de ceremonias seculares: Cuerpo conductor de electricidades -ajenas y propias-, eterno aprendiz y errorista profesional cuyo objetivo ulterior es detonar las zonas de confort de cualquier disciplina musical estanco. Siempre, con tal de trascender prejuicios y expectativas desde un nuevo lugar, inesperado, cambiante e inclusivo, donde se desdibujen los límites impuestos por la escolástica.

Grabado en plena navidad, en el garaje de la casa de Víctor Ávila (Escaire) en Elche y sin aislamiento acústico ni insonorización de ningún tipo, Isasa y Córdoba han compuesto un álbum que pisa frontera, que contradice así como altera e interviene lo preconcebido para virar de continuo hacia la sorpresa. Este disco marca un hito en la carrera de ambos, a la vez de suponer el libérrimo e inesperado regalo que, ni siquiera los más allegados, imaginaban. Gracias.

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Tras publicar un hermoso EP llamado ‘Fórmula’ el año pasado, Peña regresan ahora con éste, su primer trabajo de estudio titulado ‘Carreiro’. Un debut sorprendente que supone toda una revelación, no solo en términos de trascender lo folk, sino en cuanto a música contemporánea en gallego se refiere.

Asumiendo la propia dependencia gentilicia como punto de partida, la banda formada por Toño Magariños (diola, Unicornibot), Rubén Abad (Cro!, Trilitate) y Elena Vázquez (Trilitrate) ha sido capaz de hilvanar un cuerpo de canciones exquisito, que aúna sencillez con idiosincrasia y valentía formal. Pues, en ‘Carreiro’, la pulsión subconsciente de la música popular nos es representada de forma ampliada, armónicamente rebosante y extraordinaria.

Recibidos con tamaño muro de órganos en la apertura de ‘Burato’, acto seguido asistimos con emoción a la siega: ciclo de los prados, cuya litúrgica descripción parece encajar a la perfección con la métrica del tema. Pero no crean, la aparentemente enternecedora ‘Selva’ esconde cierta crítica al discurso eco-friendly superficial, así como en los 5/4 de ‘GPS’ uno se podría preguntar si –Estamos ata os collóns de estar sempre conectadas, ou non? (…). De un modo u otro, al final, nos queda la sensación de que el amor está presente en todas y cada una de estas canciones aunque, seguramente, ‘Bandeira’ sea la que mejor defina el disco. Un álbum que funciona a modo de nuevo regreso, de hipnótica llamada al hogar ulterior: Espacio familiar donde se proyectan imágenes de nuestra infancia, aunque en ellas descubramos algunos elementos sutilmente reordenaos… no todo está donde estaba.

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Dos años después de que su homónimo y revelador debut viera la luz, Les conches velasques regresa ahora con esta nueva colección de pregones exaltados, con esta invitación al entrelazo comunitario en un baile de doses y treses… titulada ‘Celebración del trance profano’.

Lo que en su día empezó como el proyecto personal de exploración de Pablo Jiménez, Picore, ha terminado convirtiéndose en un organismo colectivo en el que participan Jesús Landa, Thomas House (Sweet Williams, Charlottefield) y Sergio Segura (este último encargado también de la grabación, junto a Cristean Barros). A su vez, aquello que en su primer disco partía del rock de corte mudéjar, cristaliza maravillosamente aquí en forma de música popular sin pueblo, contemporánea y universal.

Con la repetición como método y la celebración como objetivo, en la verbena disfrutamos de un cancionero inclusivo, con esencia de Pedro Salinas y poética de Miguel Hernández, pero hay más. Al mismo tiempo, Les conches velasques son capaces de integrar obra de -nada menos que- Nass el Ghiwane, Agapito Marazuela o Hamid Alemmou, inmiscuidos todos ellos con naturalidad serrana en éste, su ya propio repertorio.

Ahora, el aire con el que la banda de Zaragoza oficia, la agilidad con que la ejerce, terminan por impregnar este ritual de un espíritu libertino y de un sabor callejero únicos. Seguramente esta música sea otra prueba -escasean- de que el esencialismo y el eclecticismo no son excluyentes. Al contrario, aquí se constata su complementariedad en forma de legado, de ancestro electrificado. Les conches velasques proyecta contra la pared de nuestras conciencias una cuestión recurrente aunque tapada: aquella que aplica al imaginario colectivo imperante en nuestra querida Iberia.

Esto es ¿Occidente?

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¿Cómo ha sido el proceso de composición de La séptima extinción?

JC PEÑA -De hecho hay algunas canciones que salieron justo después de que grabáramos el disco anterior, hace cinco años si no me equivoco. Entonces, a partir de ahí, ha sido un proceso bastante largo.

CRISTINA ARROYO -Nuestra antigua batería, Zutoia, vive en Berlín y aprovechábamos los momentos cuando ella viene. Grabamos ahí unas cinco canciones, luego grabamos otras dos y terminamos el proceso, si no recuerdo mal, el verano pasado.

JC PEÑA -La principal peculiaridad de este disco es que, por circunstancias, tocan cuatro baterías que son Javier, que es nuestro batería ahora, Zutoia, que tocó con nosotros durante mucho tiempo, yo, que grabé varias canciones del elepé y bueno, Cristina, que hizo una percusión ahí. Pero eso no resta ningún tipo de coherencia al disco, además le da bastante gracia porque cada batería lógicamente tiene su personalidad.

JAVIER OTONES -Yo creo que al final lo que le da es riqueza al disco. Un disco entero con la misma persona tocando, al final, tiene un estilo propio que -por muy dinámico que sea el disco, por muy dinámicas que sean las canciones- no consigues si pones a distintas personas tocando el mismo instrumento en distintas canciones. Entonces, yo creo que lo único que hace es aportarle.

¿Cómo son las canciones de La séptima extinción?

CRISTINA ARROYO -Es un disco que yo creo que refleja muy bien nuestro directo, nuestros conciertos en directo, y capta muy bien el espíritu de la banda.

JC PEÑA -Yo creo que las canciones son un compendio de lo que hemos venido haciendo desde el primer disco, sobretodo desde el segundo, porque sí que es verdad que en el primero estábamos todavía ahí encontrándonos un poco. Yo creo que hay canciones muy oscuras. Hay canciones muy pop -como las que hacemos nosotros, no es pop desde luego mainstream-, pero son bastante… En general yo creo que lo que hacemos no es nada experimental. Hay bastante melodía, es bastante accesible dentro de lo que creemos que tiene que ser un grupo de guitarras en el cual predomine la electricidad y cierta, o bastante, contundencia.

CRISTINA ARROYO -No tiene muchos artificios porque tampoco nos gustan y, como ha dicho José Carlos antes, tiene muchas aristas.

¿A qué responde el título del álbum?

JC PEÑA -El título del disco es una broma macabra o lúgubre, que es más macabra y más lúgubre teniendo en cuenta todo lo que hemos vivido estos últimos meses. Se supone que la sexta extinción es lo que supuestamente está ya provocando la acción humana en el mundo en estos momentos, en cuanto a extinción masiva de especies y tal. Entonces la séptima sería nuestro turno. Es una broma macabra que está muy en la tradición del grupo, desde el principio.

¿Qué equipo o configuraciones técnicas habéis usado para conseguir semejante sonido?

JC PEÑA -Bueno, para nosotros el equipo es muy importante y esto es así desde el principio, en gran parte, por la influencia de Javier Ortiz y de Estudios Brazil, porque ahí fue donde vimos y apreciamos realmente la diferencia. Entonces, a la guitarra yo toqué básicamente con el Hiwatt este que veis aquí -es un Hiwatt del año 72- y con el Vox éste, que es del año 65. Con esto básicamente solventé todas las guitarras. Es verdad que usamos en una o en un par de canciones un ampli prehistórico: Un Gibson del 47 que tengo en casa que es un combo y que también funcionaba muy bien. Tema pedales. En realidad no uso más que un Memory Man y algunos pedales, algunos fuzz Dwarfcraft que son bastante marcianos y bastante extremos. Luego de batería metimos… si no me equivoco… Bueno ¿esto ya lo hablará el resto no? Pero en cuanto a batería, grabamos con una Premier Signia, que tiene Javi allí también aunque no es ésta y, sobre el bajo, tocamos con el Rickenbacker de siempre y un Ampeg B25, creo, con el que hemos estado grabando últimamente.

¿Cómo fue la grabación de La séptima extinción?

JC PEÑA -Hemos grabado en Estudio Brazil, en Rivas, en Madrid.

JAVIER OTONES -La verdad es que nunca había estado grabando en Brazil y la verdad es que más cómodo incluso de lo que me esperaba. Bueno, tanto Javi como su equipo me hicieron sentir super cómodo.

CRISTINA ARROYO -Una vez estás ahí, va un poco todo sobre ruedas.
JC PEÑA -Porque tenemos una relación muy cómoda y muy buena con Javier Ortiz, que es el dueño y el técnico. Ahora mismo yo creo que El relevo alemán no lo podemos concebir sin la relación que tenemos con Estudios Brazil y el sonido que hemos sacado para los discos. Yo, de hecho, puedo escuchar el primer disco, el segundo, y estar igual de contento y eso, yo creo, es gracias a un enfoque del sonido muy atemporal que tiene Javi.

¿Cómo recomendáis escuchar La séptima extinción?

CRISTINA ARROYO -Yo creo que en cada escucha, a lo mejor, puedes encontrar una dimensión distinta del grupo y del sonido, pero yo creo que en general es bastante inmediato y captura bastante fielmente lo que hacemos en directo.

JAVIER OTONES -Yo creo que es un disco, dentro de lo que es El relevo alemán -como hemos hablado otras veces-, bastante accesible.

JC PEÑA -Yo creo que es un disco que tiene bastantes aristas pero que es en general bastante accesible. Tiene muchas melodías y sí que es verdad que tiene mucha electricidad y mucha contundencia, como siempre porque sino no seríamos nosotros, pero en realidad creo que es bastante melódico en general, en el buen sentido. Obviamente no hacemos música mainstream, pero yo creo que es perfectamente disfrutable para cualquier persona que esté mínimamente interesada en lo que es el rock alternativo o, no sé, como lo queremos llamar.

CRISTINA ARROYO -Entonces os lo recomiendo. Que os encerréis en vuestra casa con el disco y que disfrutéis a tope de él y a escucharlo, a ponerlo, a buen volumen por favor.

 

¿Cómo ha sido el proceso de composición de Algae?

MATI PANDO -Normalmente llevo yo las ideas trabajadas en forma de letras y melodía.

CARLOS SÁNCHEZ -Mati no es muy amiga de hacer estribillos, entonces el discurso del tema… Tienes que convertir esa idea, que era una idea incipiente sobre una melodía, en una canción. Entonces, tienes que escuchar mucho lo que ocurre para saber hacia dónde quieres ir, porque no tienes un estribillo que te diga ‘vale, vamos aquí’ y luego se acaba el estribillo voy a ir a… No, depende de lo que va ocurriendo te va llevando a un sitio o a otro.

CARLA SUZART -Buscar, experimentar, forma, cosa, sonoridades, tonalidades, compases y entender, sentir qué era lo mejor para esta canción. Qué pide.

MARIO VÉLEZ -Sobre la métrica nunca nos preocupamos por decir ‘venga, esta canción va a ser 3/4, esta canción va a ser 5/4’. No, simplemente desarrollamos la canción y lo que mejor le venga.

CARLA SUZART -La letra creo que nos direccionaba un poco para explorar regiones distintas y tonalidades distintas y métricas distintas. Probamos distintas métricas dentro de una misma canción y también en el disco. En el panorama general hay una diversidad rítmica, una diversidad tímbrica, una diversidad tonal.

CARLOS SÁNCHEZ -La melodía de todo esto es lo que nos lleva a hacer los temas. Lo que ocurre muchas veces es que Mati está en un… se queda en un motivo melódico y, mientras tanto, la armonía se va moviendo. Por lo tanto esa melodía funciona diferente en un acorde que en otro. Y eso pasa bastante en el disco.

MATI PANDO -Las armonías están llenas de colores y llenas de matices y llenas de… pues… Te llevan a muchos sitios, las harmonías.

CARLA SUZART -Probábamos y probábamos y probamos cada trozo de la canción, cada parte ‘Y eso ¿qué hacemos? Bueno podemos cambiar aquí porque esto pide que haya un cambio. La letra habla de eso entonces podemos hacer un giro acá para aproximarnos más a lo que dice la letra ¿Cómo podemos hacer eso? Venga una atmósfera más así, más asá’. Fue un trabajo con mucho detalle.

CARLOS SÁNCHEZ -Hay acordes con tensiones, cuatríadas, hay cosas… No es un grupo de… Hay sutilezas armónicas, digámoslo así. Y también, otra cosa que a mí personalmente me gusta de Tilde, es que también hay momentos atmosféricos que podríamos llamar armónicamente ‘modales’, que tienen colores. Si hablamos técnicamente, pues a mí gusta mucho el modo dórico que, bueno, es un menor pero tiene la sexta mayor y eso genera una atmósfera y unos colores.

MATI PANDO -Para mí son como un viaje porque tienen sus paisajes, como colores. Las armonías dan muchos colores, mucha riqueza ahí y también las historias son muy íntimas o muy de raíz. Muy de alas y muy de raíces.

¿A qué responde el título de álbum?

MARIO VÉLEZ -El título del álbum, ‘Algae’, básicamente responde a que en casi toda nuestra discografía la naturaleza está bastante dentro y, en este álbum en especial, el mar está bastante presente. Entonces, entre los elementos del mar pues al final dimos con ‘Algae’. El alga es un elemento curioso ya que parece algo simple incluso que… no es que se desprecie pero que no tiene mucho valor y, sin embargo, dentro del mundo marino es fundamental.

MATI PANDO -Este disco tiene mucho mar, aparece mucho el mar en muchas canciones de este disco.

CARLA SUZART -Fue unánime la sensación de que hay mucha agua. Hay el mar ahí muy presente, muy fuerte.

¿Cómo han sido la grabación y la mezcla?

CARLOS SÁNCHEZ -Teníamos muy claro que queríamos grabar todos juntos, en directo.

CARLA SUZART -Hemos grabado en el Hukot Studio con Milo. Milo es un amor, ha sido increíble para nosotros la grabación. Fuimos toda una semana al estudio.

CARLOS SÁNCHEZ -En este caso la producción empieza en el local.

CARLA SUZART -Habíamos ensayado tanto, habíamos tocado ya tanto las canciones que en un día las hemos grabado todas, las bases.

MARIO VÉLEZ -Lo grabó Milo. Lo mezcló Carles, el guitarra, quien tiene muy claro el sonido que necesitaba el disco.

CARLOS SÁNCHEZ -Acabé mezclando yo porque ya venía con ese trabajo hecho. Tenía muy claro cómo quería que sonasen las cosas, que era como sonaba Tilde.

¿Cómo recomendáis escuchar Algae?

MATI PANDO -Yo creo que al disco de Tilde hay que darle varias escuchas porque es un disco que tiene muchos matices, muchos detalles, mucha dinámica.

CARLOS SÁNCHEZ -Necesitas varias escuchas y, por ejemplo, si por lo que sea tienes algún prejuicio con las sonoridades flamencas, pues a lo mejor la primera escucha no. Pero a lo mejor sí que te enamora al cabo de… te abre incluso a ese tipo de sonoridades.

CARLA SUZART -Yo creo que son múltiples audiciones del disco para que se pueda captar la sensibilidad en los detalles.

CARLOS SÁNCHEZ -Está guai que no sea accesible a la primera escucha porque, al menos a mí, cuando un disco me entra a la primera, normalmente lo quemo muy rápido.

MARIO VÉLEZ -Yo creo que es un disco accesible, dentro de lo que cabe. Hombre, hay que escucharlo. Son canciones largas, densas, muchos cambios, poco estribillo… pero yo creo que es accesible porque, tanto las melodías de Mati como las harmonías de la guitarra y el bajo o los ritmos, dejan respirar mucho cada parte. No es que sea una locura de cambios, pero cada parte tiene su espacio y creo que están bastante bien conducidos y es agradable. No es algo súper raro.

CARLOS SÁNCHEZ -A final pues sí. Con los elementos que tienes, haces lo que puedes hacer aspirando a lo mejor, así ha sido.

CARLA SUZART -Deseo a todos una excelente escucha.